Pela primeira vez em 2010 aderi ao circuito cinematográfico comercial e fui ao “xopis” Boa Vista assistir a “Chico Xavier” com a pior das expectativas possíveis, em virtude de se tratar de um filme da Globo Filmes. No entanto, surpreendi-me positivamente (a expectativa – boa, evidentemente – constitui a matéria-prima fundamental da decepção, como já ensinara Schopenhauer); apesar de acessível e clichê, a obra não se perde em infinidade de lugares-comuns, não apela ao sentimentalismo fácil (certamente há cenas que talvez arranquem lágrimas dos mais sensíveis, mas não me pareceu que sejam propriamente apelativas) e, acima de tudo, o filme não é tão “novelinha” quanto outros realizados pela mesma produtora. O fato de os personagens principais serem todos interpretados por atores “globais” certamente incomoda um pouco aqueles que como eu buscam se afastar de um cinema eminentemente comercial, mas, em que pesem algumas atuações um tanto caricatas (Giulia Gam e Cássio Gabus Mendes – este último num papel que se revela muito mais breve do que indicava o trailer), os “globais” dão conta do recado a contento daqueles um pouco mais exigentes. Nelson Xavier interpreta um Chico maduro de maneira sóbria, sem excessos que talvez surgissem na interpretação de algum outro ator; Pedro Paulo Rangel é outro ponto alto em termos de atuação, com seu humor característico. No entanto, a grande atuação de “Chico Xavier” fica por conta de Tony Ramos, mas não na obra como um todo e sim especificamente em duas cenas finais: aquela onde lhe é mostrada a carta de seu filho, psicografada por Chico durante o programa de televisão dirigido pelo personagem de Ramos; a forma como este “engasga” (dá uma parada naquilo que estava dizendo, em virtude de ter sido tomado pela emoção) é soberba; a outra cena é a do julgamento, onde afirma ser ateu, mas pede a absolvição daquele que, involuntariamente tirou a vida de seu filho.
O filme investe numa dupla narrativa: Chico velho e Chico jovem (criança e adulto) retratados de forma alternada, sem, contudo, acarretar nenhum tipo de complexidade na narração (trata-se de uma obra acessível, destinada ao chamado “grande público”). Não deixa de haver momentos que me pareceram pretensão artística: o primeiro deles se dá justamente na cena inicial, na qual vemos gotas de um liquido sendo pingadas; a câmera está devera próxima do objeto que pinga as gotas e só conseguimos distinguir que trata-se de Chico pingando colírio em seus olhos – já estando velho – a medida que a câmera vai se afastando (remeteu-me a cena inicial de “Clube da Luta”); já a outra cena com supostas pretensões artísticas ficarei devendo, pois não lembro qual seja (assisti ao filme apenas uma vez antes de resenha-lo). Como não poderia deixar de ser, há clichês, sendo dois deles mais nítidos: quando o personagem de Ramos pede a Chico que psicografe ao vivo durante o programa de televisão é fácil deduzir que a carta será do filho daquele. E o final nada tem de abrupto: sabemos bem “o filme está acabando” a medida que a película de aproxima de seu final.
Um aspecto insuspeito a ser destacado é a ironia de Chico mostrada no filme; esta não aparece nele enquanto criança ou jovem, mas aparece no Chico maduro, sobretudo na cena da entrevista. Isto remete a outra coisa, a qual, curiosamente, foi o que me fez ter vontade de escrever sobre o filme: durante seus créditos finais são mostrados trechos da entrevista da participação de Chico no programa de televisão (o Chico real) e podemos constatar que algumas das falas do personagem no filme durante a entrevista são reproduções exatas daquilo que Chico falara na vida real (como sua fala não condenatória do sexo e a reza do pai nosso por ele iniciada), ao passo que outra de suas falas foi adaptada numa cena que mostrava o acontecimento em “tempo real” (trata-se do episodio em que, durante uma turbulência no avião, Chico teria entrado em estado de pânico, tanto quanto os demais passageiros, sendo censurado por seu espírito guia, Emanuel, a quem, no entanto, ele não dera ouvidos). Este fato é demasiado importante, pois expressa que em pelo menos parte do filme procurou-se ser o mais fiel possível a realidade histórica (aqui poderíamos entrar na espinhosa questão de até onde se pode admitir a licença poética quando se trata de adaptar uma obra baseada em fatos reais – pessoalmente acho bastante problemático e arriscado misturar realidade e ficção, sendo partidário de documentários no que concerne a retratar fatos/ personagens históricos, mas não sou ortodoxo quanto a isso). Cabe salientar que justamente nestes trechos de falas do Chico real nos créditos finais podemos notar ainda mais que no personagem cinematográfico traços de ironia, ainda que esta nunca descambe para o sarcasmo, sendo sempre polida e indicando mais inteligência do que puro escárnio.
Quero passar agora a uma discussão mais pessoal da obra: ela opta por focar na vida e obras do personagem, não se atendo muito a explicitar quais seriam as bases do espiritismo (exceto a questão da caridade e da tolerância – ao contrário de um filme como “Amor além da vida” que, até onde me lembro, se aproxima muito, seja da doutrina espírita, seja da formulação filosófica na qual ela supostamente bebe, mostrando inclusive o além desta vida a qual estamos acostumados). E apesar de não adentrar nestas formulações mais específicas do espiritismo (isto se encontrará nos livros para quem se interessar e pasmem! li a anos atrás um livro espírita chamado “Nosso lar”, o qual me pareceu deveras esclarecedor acerca da perspectiva por eles defendida), o filme aponta para dois aspectos éticos que me deram muito o que pensar: 1) a postura do não aceitar retribuição do favor para si mesmo, mas de pedir para que esta seja repassada para outrem (me remeteu ao filme “Corrente do bem”); 2) o imperativo de quebrar os limites que nós mesmos nos impomos: reclamarmos menos e agirmos mais, como quando vemos escorrer sangue do olho de Chico, em virtude do excesso de trabalho no qual ele se engajou (chegando a cuidar mais dos outros que de si mesmo, a ponto de seus familiares lhe darem o ultimato: “ou você sai dessa casa ou saímos nós”, tendo em vista que durante todo o dia o médium recebia dezenas, quiçá centenas de pessoas em sua residência – que não era só sua).
Em suma, apesar do predomínio de atores globais nos papeis principais o filme não se torna “novelesco” demais nem piegas. No entanto, passa longe de ser um filme artístico, um documentário aprofundado ou um primor do entretenimento que mereça ser indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro (vencer tal categoria é uma velha meta tupiniquim nunca alcançada...). Parece-me se tratar de um filme de entretenimento com doses de profundidade no âmbito ético. E o que é mais importante, no meu ponto de vista: trata-se de um filme que faz pensar. Ou pelo menos se propõe a isso.

Alberto Bezerra de Abreu 20/04/2010

Como dito noutra postagem
(http://miradourocinematografico.blogspot.com/2010_05_16_archive.html), a retomada da sessão de arte do cinema São Luiz, após sua reabertura foi iniciada com o filme “Meu Tio” (Jacques Tati, 1958); trata-se duma sátira a obsessão pela tecnologia. O enredo é bastante simples: família abastarda (os Arpet) vivem numa casa cheia de apetrechos tecnológicos. A esposa persuade o marido a arrumar um emprego em sua fábrica para o Sr. Hulot (o tio do título, que é irmão da mulher citada). No entanto, este personagem excêntrico (que já aparecera em outros filmes do diretor, como “As férias do Sr. Hulot” de 1953) põe tudo a perder com seu jeito desastrado (a cena em que ele supostamente sobe na mesa para espiar a mulher no banheiro é cômica é foi já a primeira que me arrancou gargalhadas).
O filme começa e termina de maneira singela: mostra um grupo de cachorros perambulando pelas ruas dum bairro pobre (apesar de ser um filme franco-italiano, tanto o estilo como os cenários me remetem à Itália, mas segundo a resenha do livro “1001 filmes para ver antes de morrer”, a história se passa na França); entre outras cenas, vemos um grupo de crianças fazendo peraltices, como sacolejar carros para fazerem o motorista pensar que o carro de trás bateu em sua traseira e assoviar para fazer com que transeuntes olhem para trás e dêem com a cara num poste (travessuras deliciosas de infância que parecem não mais existir hoje em dia). As trapalhadas do Sr. Hulot na fábrica de seu cunhado, bem como a cômica cena dele subindo para seu quarto, no último andar duma pensão bastante modesta são bem divertidas, mas o foco é mesmo a casa dos Arpet. Definitivamente o Sr. Hulot não se dá bem com os aparelhos tecnológicos sofisticados da casa de seus parentes, cometendo sucessivos desastres. Mas o aspecto cômico do filme vai além disso: no jardim da residência há uma fonte com um peixe que cospe água; geralmente esta fonte fica desligada mas quando chega alguma visita, antes de acionar eletronicamente a abertura do portão a dona da casa liga a fonte; por vezes trata-se de alguém que não convém impressionar (o Sr. Hulot ou um entregador) e lá se põe ela a desligar o apetrecho. Parece-me que além de uma crítica a obsessão pela tecnologia, o diretor crítica também a futilidade da família burguesa excessivamente preocupada com aparências, bons modos, com o que é chique, etc. O contraste entre o bairro pobre e a casa sofisticada parece apontar para uma crítica social, mas esta não é aprofundada.
Confesso que meu interesse por este filme foi muito pequeno perto de outros anunciados para a tal sessão de arte (Bergman, Fellini e Truffaut, por exemplo), mas valeu muito a pena vê-lo, por três motivos: trata-se de um clássico (estando entre os “1001 filmes para assistir antes de morrer”, os quais tentarei resenhar aqui); é divertidíssimo (gargalhei de forma escandalosa no cinema a ponto se ser repreendido pela pessoa que me fazia companhia rs, mas em pouco tempo outras pessoas faziam o mesmo – acho que fui o primeiro) e por fim, contribui para a prosperidade do evento (infelizmente, ao término do filme foi possível perceber que a quantidade de pessoas fora bastante reduzida, o que pode comprometer a continuidade da exibição de clássicos de sétima arte a um preço bastante em conta – 4$ a inteira, 2$ a meia entrada).
Por fim, cabe expressar uma impressão: acredito que este filme (e possivelmente outros do diretor) tenha constituído grande influência para Roberto Benigni (“O monstro”, “A vida é bela”).


Alberto Bezerra de Abre, 04/06/2010